|
Entrevista con un Artista/Educador - Margaret Brandman |
|||
sta página ofrece las reflexiones e ideas de un reconocido artista/educador de la música. Las opiniones proporcionadas aquí son las propias del entrevistado y no representan, necesariamente, las opiniones de la Asociación de Maestros de Música de West Mesa, sus dirigentes, o sus miembros. (¡Nosotros también contamos con abogados!) Al final de la entrevista, usted encontrará enlaces al e-mail del entrevistado, y su sitio en la Web (cuando esté disponible), así podrá aprender más si es que el tema le interesa.
|
||||
|
El artista/educador del mes de Marzo de 1997 fue:
Yo crecí en un ambiente rodeado por sonidos desde el día en que fuí concebida. Ambos lados de mi familia vienen de una tradicional educación europea. Los cinco hermanos y hermanas en el lado de mi papá, además de mi mamá, formaron un pequeño ensamble con el que acompañaban a mi abuelo, quien era un buen tenor. Durante los meses antes de que yo naciera mi madre participó en veladas musicales y escuchó muchos conciertos. Los lectores que conozcan de las investigaciones sobre los alcances del oído antes del nacimiento del gran 'audio-fono-psicólogo' francés Dr. Alfred Tomatis, estarán al tanto de los descubrimientos, y se darán cuenta por qué yo empecé mi camino por la música desde antes de mi nacimiento. Como maestra de acordeón y piano, mi madre llenó la casa con música de todos los estilos fuera del tiempo de clases, desde las Sinfonías de Beethoven o la Opera de Wagner hasta su cantante popular favorito Frank Sinatra. Desde que yo tenía dos años estuve presente en el salón mientras ella daba sus clases. Me dice que cuando me preguntaron, a los dos años, qué quería ser, yo respondí 'maestra de música'!. Empecé a aprender el acordeón a la edad de cuatro años y el piano, que se convirtió en mi primer amor, a la edad de siete. A partir de sus comienzo modesto como maestra de acordeón, ella y mi padre crearon un gran estudio de música, con muchos maestros y una tienda que vendía instrumentos. Mi vida estaba rodeada por el sonido y guiada por mi oído; la música se volvió una parte de mi vida tan natural como comer y dormir. Pronto me dí cuenta de que prefería escribir mi propia música, además de una sorprendente sed de leer e interpretar cualquier música que tuviera en mis manos.
Mi maestro de piano que más influyó en mí fue Isador Goodman, cuyos intereses especiales eran compatibles con los míos, e incluían la música de Bach, Chopin, Debussy, Rabel y Gershwin. Goodman ha grabado muchas obras clásicas para discos de larga duración, televisión y radio. También ha tocado piano profesionalmente, entre lo que incluye el tocar jazz en restaurantes de prestigio.
Para mí el hacer música es una experiencia de alegría. Cuando estuve de gira por Inglaterra el año pasado, mi colega Sarah Woodhouse, con quien estoy cooperando en un folleto musical para un proyecto de la UNICEF, reflejó exactamente mis sentimientos cuando dijo: "SOLO HAY DOS LENGUAJES UNIVERSALES, LA MÚSICA Y SONREÍR". Yo disfruto el poder hacer contacto con personas de todo el mundo, quienes viven la música como una influencia civilizadora y como una medio para ponerse en contacto con nuestra intimidad. Hace poco leí que la palabra en inglés antiguo 'soñar' significaba 'hacer música'. Nuestra cultura aborigen australiana también habla de 'soñar'; sus historias se cuentan con música y baile. Hay muchas facetas de la música que son agradables.... yo atesoro la experiencia kinesiológica, la sensación agradable en mi cuerpo cuando toco y escucho la música muy rítmica como la música Latinoamericana, el estímulo mental, la deliciosa sensación auricular cuando se tocan los sensuales acordes y armonías, las vibraciones viajando a través de las yemas de mis dedos al tocar el teclado del piano (no es igual con un piano eléctrico), la maravillosa comunicación no verbal entre los músicos que participan en un ensamble, y la emoción de componer, tanto al improvisar como de manera escrita. Más y más, siento que la música que yo escribo sencillamente pasa a través de mí. Cuando yo hago una composición en un ambiente relajado, la música sencillamente fluye, lista para ser capturada en una cinta o en papel. Como maestra, me he esforzado en presentar la música en un modo no complicado y me han atraído los patrones presentados en el diseño del teclado. Por ejemplo, cuando miras la posición de las tres teclas negras de la escala de La Mayor, los grados tercero, sexto y séptimo y los comparas con la posición de las tres notas blancas en la escala de La bemol Mayor, te darás cuenta que las posiciones son las mismas. Y no solo eso, sino que los nombres de las tres teclas negras en la escala de La Mayor son Fa sostenido, Do Sostenido y Sol sostenido, y que las teclas blancas en la escala de La bemol son Fa, Do y Sol. Yo disfruto viendo la reacción de mis alumnos cuando son capaces de descifrar el código de la música, y así aprender más eficazmente. Estos códigos incluyen: * ver la relación de espacio entre las teclas, y ser capaz de juzgar la distancia en el teclado, por ejemplo, encontrar las conexiones de octava escondidas entre los cambios de área * ver las formas, patrones y direcciones, mismas que ayudan en la coordinación de las manos * entender la estructura armónica para que la intención del compositor pueda ser expresada mejor, con un sentimiento de estructura y cadencia. También disfruto el progreso general en la escuela de mis alumnos más jóvenes, y ver que su progreso general en muchos campos se ve mejorado gracias a su exposición a la música y el sonido. Por ejemplo, los padres han reportado mejoría en las habilidades matemáticas de sus hijos, control motor o desarrollo del lenguaje. La enseñanza musical privada proporcionada a los niños, quienes de otro modo sólo experimentan la situación de clases en la escuela, les ayuda a crear seguridad, autoestima y uno eficiente de sus horas fuera de la escuela.
Cuando empecé a enseñar hace más de 30 años, utilizaba el "Método Thompson", pero rápidamente descubrí que tenía muchas trampas, aislaba los nombres de las notas y los números de los dedos en cada nota, sólo por nombrar algunas. También me dí cuenta que los alumnos que estaban aprendiendo de este modo frecuentemente tenían que mirar el teclado para encontrar las notas, ya que no estaban relacionándolas con las notas anteriores. Como resultado, la lectura por adelantado y el entrenamiento auditivo no estaban en un nivel óptimo. Al ver la confusión y la falta de progreso que experimentaban los alumnos que estaba yo enseñando utilizando los métodos tradicionales en los que yo había aprendido, empecé a cuestionar el sistema. Cuando estaba todavía en la universidad empecé a desarrollar un sistema de enseñanza más moderno, que posteriormente publiqué como "El Método Contemporáneo de Piano". Yo uso técnicas de enseñanza progresivas para impartir muchos de los temas y así lograr resultados en un esquema de tiempo más corto que con los métodos tradicionales. En los años recientes, utilicé las técnicas de "Mapeo Mental" creadas por Tony Buzan, para diseñar un colorido "Resumen del Curso" que me permitió ver todo mi curso de manera integrada. El 'Mapa del Curso' también me ofrece una planeación en 'forma libre' para mis clases, ya que con mi mapa del curso, la meta de gran parte de mi enseñanza es que el estudiante sea capaz de entender la panorámica total (gestalt) de un tema, lo más pronto posible. Mis materiales empiezan con un método simplificado de intervalos, usando terminología relacionada con movimientos físicos, que ayudan a conectar los aspectos auriculares, visuales y táctiles de la música. Se le sugiere a los estudiantes que canten los tonos mientas tocan; el uso de este fácil lenguaje les ayuda a desarrollar el oído más profundo. La música que se presenta se separa del centro del instrumento rápidamente utilizando las teclas Do como notas señalizadoras, para que los estudiantes tengan una vista 'Gestalt' del instrumento y entiendan los conceptos espaciales del Gran Pentagrama. El método avanza suavemente hacia intervalos más grandes, cambios de área, transposición y tocando en todas las doce tonalidades mayores, como trabajo de cimentación para todas las tonalidades futuras, las escalas y los acordes en el teclado. Este enfoque holístico fluye a través de todo el método, mezclando: * trabajo auditivo y trabajo escrito para su consolidación, * técnicas clásicas y modernas, * armonías de jazz y armonías figuradas en el teclado, * técnicas de lectura musical rápida en la tonalidad que se encuentre escrita, o transportarla, o cambiar de clave, * encontrar las líneas paralelas entre los hilos comunes de la música clásica y la música moderna (popular, jazz y contemporánea). La meta es ofrecer al estudiante las habilidades para la creación musical profesional en una forma fácil y empezando a edades tempranas, para que puedan ser incorporados de modo gradual, en vez de que se les enseñe como material de estudio de tercera. Con el tiempo, los estudiantes puedes escoger el camino musical que ellos prefieran, ya sea: la ejecución, la composición, los arreglos, la grabación, la enseñanza, la música clásica, el jazz, la música popular, etc.
Hay varias áreas que necesitan más atención: 1) La lectura a primera vista/transposición Esto puede ser abordado ofreciendo una panorámica más general del teclado, y fomentando que los estudiantes desarrollen su sentido del tacto del teclado, sintiendo el espacio, y utilizando las teclas negras como guías. Este método depende fuertemente del oído para guiar y corregir las notas, más que del ojo para ver las teclas. 2) Entender las armonías. Es importante conocer la estructura armónica de la pieza, para una ejecución segura, de otro modo, siempre hay indecisión sobre si el sonido producido es el que el compositor esperaba. 3) Utilizar un ritmo fluido. Generalmente los estudiantes necesitan ayuda para traducir los símbolos musicales a un ritmo que puedan sentir en el cuerpo y mantenerlo a través de toda la pieza. Yo utilizo color ( atribuido a la función del lado derecho del cerebro) para ayudar a la comprensión del valor de las notas y los silencios, y una técnica de palmadas vigorosas para que el 'cuerpo sienta' el valor de las notas. 4) Improvisación/Composición Los maestros preparados con los métodos tradicionales generalmente carecen de experiencia en la improvisación y, por lo tanto, no cuentan con las habilidades para impartir esta información a sus estudiantes. Tratando de corregir este desbalance, yo incluyo Improvisación, Composición y Arreglos (armonía en el teclado) como parte de mi curso general, permitiendo a los estudiantes explorar muchas opciones creativas mientras desarrollan una más profunda apreciación de la música de los grandes compositores, quienes muchas veces fueron expertos improvisadores.
Le aconsejaría a los estudiantes de los primeros grados que eviten la música en la cual la melodía frecuentemente salte de una sola mano a otra sola mano, ya que esto impide una lectura fluida. Los estudiantes tienen que romper su concentración en la línea musical para buscar la primera nota de cada sección. En una nivel más avanzado, estas interrupciones pueden ser manejadas encontrando las relaciones (distancias) entre las áreas. Yo también aconsejaría a los músicos de todos los niveles que eviten la música escrita sin espaciamientos proporcionados. En publicaciones más antiguas, los tipógrafos trabajaban con el concepto de mantener determinado espacio entre las notas, y no con la duración que cada nota recibe. Como un lector frecuente de música a primera vista en situaciones profesionales, puedo avalar que si la música está proporcionalmente espaciada, y el ojo puede moverse a un paso constante, se tendrá como resultado una lectura más fidedigna de los ritmos.
Mis alumnos se han dado cuenta que pueden mantener interés en el aprendizaje del piano si están al tanto de los elementos de las piezas. La combinación de la teoría con el entrenamiento del oído es una buena forma de mejorar estas habilidades. Conozco de muchos estudiantes que han aprendido por repetición cuatro piezas al año, escuchando una grabación de la música, o simplemente memorizando compás por compás. Estos estudiantes titubean si se les pide que toquen cualquier música nueva ya que no tienen la capacidad de enseñarse a sí mismos. Mi consejo para los estudiantes sería encontrar un maestro que los ponga con los pies en el suelo, guiándolos a través de los niveles, pero asegurándose que al final pueden tocar la música por ustedes mismos. Asegúrense de que comprenden completamente los sonidos de la música, y sólo toquen las piezas si entienden su estructura armónica, ya sea el tono y las modulaciones únicamente o, preferentemente, escribir los acordes de cada barra de compás. Esto les ayudará en la interpretación de la pieza - dónde deba sentirse o soltarse la tensión. Esto también les ayudará a descubrir las formas y patrones que utilizan los compositores, para que puedan descodificar más fácilmente la música, tanto para la lectura a primera vista como para el aprendizaje en general. Para las piezas más avanzadas es bueno estar conscientes de otros consejos musicales más allá del sistema de Mayor/Menor que los compositores puedan utilizar.
Estén abiertos a una mezcla de estilos multinacionales, y tomen en cuenta que el interés de los estudiantes puede mantenerse incluyendo música de hoy en sus repertorios.
Amor por la música, un buen oído, habilidad para compartir el conocimiento, pasión por comunicar la música a alumnos/auditorio, e inventiva para que los problemas individuales puedan ser resueltos de inmediato. El aspecto de la enseñanza que mantiene mi interés es que, aun después de enseñar la misma pieza por algún tiempo, a menudo encuentro otro ángulo para un alumno en particular por lo que continuamente estoy aprendiendo el arte de enseñar.
La música como una carrera profesional es una forma muy agradable de pasar la vida, especialmente si se tiene una preparación versátil y se puede adaptar a las fuerzas del mercado del momento. Durante mi propia carrera he tenido que variar el énfasis en un aspecto o en otro dependiendo del clima económico, y de mis cambios de estatus: sin niños (muchas presentaciones y escribiendo a la vez que daba clases), madre de niños pequeños (principalmente enseñando y escribiendo, desde mi estudio en casa), y ahora madre de hijos mayores (de regreso a las presentaciones, conferencias, escritura, grabaciones y enseñanza).
Desde mi perspectiva, yo veo los concursos (en este país tenemos muchos Eisteddfods) como oportunidades para presentarse. Tenemos un sistema de exámenes para evaluar a los estudiantes, por lo que yo los animo a que aprendan sobre las presentaciones viendo a otros y participando ellos mismos. Sin embargo, los concursos no son para todos los alumnos. Algunos se desempeñan mejor sin la presión.
Me gustaría decir que mis mejores experiencias en la enseñanza del piano ocurren casi todos los días cuando los estudiantes llegan con sus piezas que han aprendido rápida y fácilmente y, como resultado de sus lecciones, están completamente interesados y divertidos. Es la experiencia de todos los días lo que enciende mi propio entusiasmo para continuar enseñando. Una de las mejores experiencias que he tenido en la enseñanza de un grupo fue enseñando a compositores y maestros de escuela en la Universidad Goldsmiths de Londres, en 1996. Mis peores experiencias enseñando incluyen la enseñanza de música en escuelas preparatorias, con grupos de talentos diversos, algunos de los cuales no debieron estar enlistados para las clases. Una de mis experiencias más interesantes como artista fue el concierto de música para piano compuesta y ejecutada individualmente por veinte compositores australianos en un sitio importante en Sydney.
Señalar a los padres y estudiantes lo que la mayoría de los maestros de música han sabido por muchos años: que la música es una experiencia de vida que los mantendrá firmes a través de todas las etapas de su vida. Como lo mencioné antes, la enseñanza musical puede incrementar muchas habilidades en muchos campos que no están relacionados con la música. (matemáticas, lenguaje). Actividades como los deportes sólo pueden ser posibles en las etapas tempranas o intermedias de la vida, mientras que en la música es posible participar, en buena forma, a través de los años. Otros aspectos para mantener el interés en el piano incluyen la programación de la música que vaya de acuerdo con los intereses de los estudiantes, como piezas de música popular o de jazz, y organizar oportunidades para tocar en dueto o en ensambles para que el tocar piano no se sienta como un arte de 'aislamiento'. El aspecto social de la creación musical es un tema bien documentado. Mi propio hijo se ha dado cuenta que participar a una banda es una maravillosa forma de hacer amigos, y nosotros como padres sabemos en dónde se encuentra; o sea, ensayando con su banda en vez de estar vagando por las calles.
Tengo varios pianistas favoritos y cuyas presentaciones disfruto. En la conferencia de la Asociación Europea de Maestros de Piano del año pasado, en Manchester, UK, tuve el placer de escuchar dos excelentes interpretaciones, una por una pianista Argentina, Pía Sebastiani y otra por un artista y educador musical del Reino Unido, John Peace. Sebastiani tocó un programa variado que incluyó a Bach y varias piezas argentinas. Particularmente, me sentí atraída por los ritmos y las armonías de estas piezas. John Piece ha adoptado las técnicas de enseñanza y de ejecución del fallecido educador americano Abby Whitside. Whitside recomienda 'bosquejar' una pieza a su velocidad correcta para obtener una imagen auditiva de ésta, antes de 'llenarla' con los detalles, y trabaja con el desarrollo de un ritmo básico. Las presentaciones de John Peace son extremadamente seguras en el aspecto técnico, pero más allá que esto, en mi opinión, realmente 'habla' a quien lo escucha. Otros tres favoritos son, primeramente, el pianista de jazz Bill Evans, cuya música ha sido una gran influencia para mi propio interés en el jazz. Evans marcó nuevos rumbos con un estilo armónico individual que es fresco cada vez que uno lo escucha. Escucho la influencia de Chopin y Debussy en su trabajo. Su carrera incluye lecciones de piano clásico. Yo fuí afortunada de asistir a un concierto dado por Evans en Nueva York a finales de los años 70 y encontrarme con él tras bambalinas. Me gusta la forma en que muchos músicos que tocan excelente música improvisada también pueden demostrar habilidad para tocar el repertorio clásico con gran intensidad. Keith Jarret, el segundo pianista de jazz a quien admiro, es un gran intérprete. Recientemente, también he estado escuchando sus fabulosas grabaciones de música clásico, incluyendo el Clave Bien Temperado de Bach. El tercero de mis pianistas de jazz favoritos es Kirk Lightsey, quien con frecuencia hace giras por Europa y Estados Unidos con el grupo ROOTS. Lightsey, quien ahora vive en París, por muchos años fue el pianista en la banda de Dexter Gordon. Kirk toca con una asombrosa energía y vitalidad. Siguiendo la tradición auditiva de muchos pianista de jazz, él es capaz de extraer la armonías sonoras más asombrosas y contrapuntear líneas de las estructuras de los acordes, especialmente en baladas. Hay muchos otros pianistas cuya música disfruto, y hacer una lista de todos ellos tomaría demasiado espacio, así que continúo con la siguiente pregunta.
Continuar educando a más gente en el arte de la música, para que se vuelvan oyentes de música de concierto educados, aún cuando no continúen tocando un instrumento. Sobre este tema, creo que sería aconsejable alejar a los adolescentes de la música con influencias negativas, como la música 'heavy metal', con letras sobre el suicido. Australia, recientemente, ha prohibido el que sea tocado al aire cualquier material popular que haga referencia al suicidio, ya que tenemos un problema creciente en esta área con jóvenes muchachos en el grupo de los 16 a los 24 años. Creo que nosotros como músicos y maestros podríamos encontrar interesante el indagar sobre la información disponible sobre el sonido como medio de curación, o para el relajamiento, o para mejorar la habilidad de estudio. Un ejemplo, es la música que estimula las ondas Alfa en el cerebro, para una óptima concentración relajada. La música para lograr ésto es la de los movimientos lentos de la época barroca, que se mueve a 60 pulsaciones por minuto (una pulsación por segundo). Recientemente he meditado sobre la sincronización de ésto con la forma en que medimos el tiempo y nuestra relación con los ritmos del planeta. Esta es un área completa a través de la cual podemos hacer que la gente se interese por la buena música que nos hace sentir bien.
Me parece que uno de los usos más notables de la música ha sido la de aumentar la conciencia sobre las causas sociales y a favor del medio ambiente. La protesta en contra de Vietnam en el festival de Woodstock, las campañas de Alimentemos al Mundo, y los conciertos para salvar la Selva Tropical, por mencionar algunos. En mi opinión, la música y todos aquellos que la comparten tienen la oportunidad de mejorar las condiciones en las que viven. En los últimos años me he dado cuenta que, para mí, la música y la curación no pueden separarse. En un sentido puramente práctico, esto significa que cuando mi alumno llega a su lección sintiéndose enfermo, no puede estudiar en un nivel óptimo. Si la enfermedad llena la vida del estudiante, su estudio será mínimo, y su progreso muy insignificante. He tenido la fortuna de encontrar a un experto y el cuidado de 'Naturopath', que educó a mi familia sobre nutrición y formas sencillas para mantener la salud. Yo paso su sano consejo a mis alumnos, para que ellos también se mantengan saludables y conserven una continuidad en sus ejercicios y sus lecciones. Como lo mencioné antes, hacer música es muy curativo, ya que hay varios sonidos que afectan nuestros cuerpos de modo positivo, y muchos pianistas, particularmente aquellos quienes tocan un instrumento diferente al de su campo de trabajo, encuentran la salida emocional que les permite aliviar sus tensiones. En el tema sobre la curación a través del sonido, en el programa de Tomatis, la música de Mozart y los cánticos gregorianos son utilizados con ciertos filtros para remover las frecuencias bajas. Al estimular los oídos para recibir los sonidos de alta frecuencia, las neuronas en el cerebro se 'encienden'. Según van cambiando los patrones del cerebro, aumentan su eficiencia para procesar información y la concentración. Como una habilidad de por vida, particularmente para aquellos en la 'Universidad de la Tercera Edad' (los ancianos), tocar el piano involucra una habilidad motora que los mantendrá creando nuevas conexiones cerebrales al ir envejeciendo. Conozco a muchos músicos en activo que se encuentran en sus 80's o 90's. Kendall Taylor (de más de 90 años), el reconocido artista/maestro y editor de las ediciones de Beethoven en el Reino Unidos, recientemente ejecutó dos Sonatas de Beethoven completas en un concierto al que yo asistí en la conferencia internacional de la Asociación Europea de Maestros de Piano, en Manchester, Inglaterra. En Australia, el mes pasado, Stephan Grappelli, de 89 años, se presentó en un concierto en Sydney. El crítico comentó, "Claramente, la música le da fuerza y, de hecho, Grappelli parecía aumentar su vigor según avanzaba la velada". Por esto es que yo les diría a los estudiantes, padres y maestros 'sigan tocando', y disfruten todos los beneficios que la música le puede traer para enriquecer su vida e incrementar su bienestar. Usted puede enviar sus preguntas a la Sra. Brandman vía e-mail a jazzem@healey.com.au. También puede visitar la página Web de Margaret Brandman para obtener más información sobre ella, sus métodos, y su enseñanza y sus escritos.
Entrevistas en Español
Entrevistas otras (en Inglés)
|
|||
|
Page
created:
23/09/97 Last updated: 30/01/15 |
||||
o
ampliar o contraerse.
PEP:¿Qué la motivó a entrar al mundo de la música?